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31 diciembre 2015

TOP JAZZ 2015




TOP JAZZ 2015




Antes que pretender ser una lista con orden jerárquico, os ofrecemos una guía de audición de un año en el que nos han interesado obras muy distintas en cuanto a estilos y formas, todas incorporan un sonido novedoso. Algunas ya han sido comentadas en este blog y cuentan con su entrada para consultar, otras se completarán en breve.

El jazz cada vez se aleja cada vez más de sus orígenes  y muchas veces ni siquiera hay un centro de gravedad claro en torno a él, aunque parte de su pasado mantiene viva la llama que inspira a la creación más actual. Aquí tienen una muestra, algunas en directo otras auténticas obras de estudio elaboradas y producidas con todo detalle, de que las fronteras para los auténticos creadores son cada día más difusas, mientras que el presente se hace más estimulante.

-Ben Goldberg "Orphic Machine"
 BAG Prodution



-John Hollenbeck "Songs we like a lot"        
 Sunnyside



-LAMA +Joachim Badenhorst "The Elephant `s Journey"
Clean Feed




-Ahleuchatistas "Arrebato"
 International Anthem


-Free art Ensemble-"Cap de Toro"
 Discordian Records + info


-Kris Davis Infrasound "Save your breath"
 Clean Feed



-Mette Henriette "O- Ø"
 ECM


-Michel Wintsch, Christian Weber, Christian  Wolfarth "Willisau"
 hatOLOGY


-Nate Wooley, Dave Rempis, Pascal Niggenkemper, Chris Corsano "From wolves to whales"
Aerohonic + info



-Hugo Carvalhais "Grand Valis"
 Clean Feed + info



extra +
Rob Jacobs "Rob Jacobs"
International Anthem



28 diciembre 2015

SPAIN-The blue moods of Spain 20º aniversario 1995-2015

THE BLUE MOODS OF...

          SPAIN

Han pasado 20 años desde que adquirí este curioso disco, una entrada en mi colección que aún hoy mantiene un lugar visible y destacado. Consulto qué ha sido de este grupo desde 1995 y descubro que han vuelto a unirse en un trabajo con temas nuevos para conmemorar su aniversario. En aquéllos años estaba de moda el grunch de Nirvana, un grito sordo de protesta que estaba en las antípodas de esta música. 


SPAIN 2015 

Aquellos años fueron buenos para personalidades emergentes que abrían los oídos del pop. Desde Estados Unidos llegaban obras tan rotundas y efímeras como la que nos legó el ruiseñor malogrado Jeff Buckley en Grace (1994) o el exuberante conglomerado que es Odelay (1996) de Beck. En medio descubrí The Blue Moods of Spain (1995), una invitación a penetrar un territorio personal hecho de candencias estáticas de folk-blues. 20 años después decido hacer una parada en esta ruta que se abrió y cerró al mismo tiempo, aunque su respiración anhelante quedara.

Probablemente, no estaríamos hablando hoy de este trabajo de no percatarme entonces de que su líder tenía el apellido “Haden”. “Spain”, vaya título para una banda, algo tenía que haber encerrado. Recuerdo que una de Nueva York de finales de los 80 se hizo en llamar The Spanish Fly, un juego de palabras que sonaba exótico. Esta gente de Spain venía de California. El cantante y bajista del grupo se llamaba Josh Haden. En mi discografía, ese nombre ya tenía un hueco destacado.

       Charlie Haden en Circa, 1970

Historia de Spain...

Charlie Haden era un contrabajista que había trascendido la posición de un instrumento acostumbrado al segundo plano, para convertirse en icono de la modernidad, la que había traído el free jazz de Ornette Coleman, con quien dio sus primeros pasos en Los Angeles allá por 1958. Coleman rompía esquemas con el pasado, se decía, sin tener intención de hacerlo. Él nunca pretendió desmoronar la tradición del blues y el bebop, a la que supo incorporar una expresión folk conectada con esencias rurales (provenía de Texas).

The blue moods of Spain” era un título enigmático, aunque seductor. ¿Cuáles serían esas emociones melancólicas, ese sentir triste y decaído de Spain? Josh Haden nació justo cuando su padre, Charlie Haden, puso en marcha la Liberation Music Orchestra(LMO, 1969). La intención compartida con la pianista Carla Bley era denunciar la era expansionista y la sinrazón de la guerra que traía el gobierno republicano de Nixon en Vietnam. Tiempo después de causar gran impacto, la LMO, un all stars de la vanguardia jazzística, se uniría varias veces, siempre que los tiempos de protesta les inspiraran una nueva misión en la “lucha por los pueblos oprimidos condenados a la guerra por los más poderosos”, podría ser el lema. Con el cancionero republicano de la Guerra Civil Española, la última guerra romántica, empezó todo.

El padre de Charlie Haden – abuelo de Josh Haden- tuvo amigos que habían sido voluntarios en la Brigada Lincoln que lucho del 1936 al 39 en España. Las historias que rodean a este hecho y algunas canciones de su colección fueron transmitidas de padre a hijo y de hijo a nieto. La creación y desarrollo de la Liberation Music Orchestra, las canciones españolas que usaron como medio de expresión, acompañaron la infancia de Josh Haden. De ahí vino la idea de llamar a su grupo Spain.


SPAIN 1995
Josh Haden (delante), Ken BoudakianMerlo PodlewskiEvan Hartzell




Hecho de memoria y nostalgia, eco de perdedores de una guerra y una tierra lejanas, la música de Spain cautivó de manera profunda aunque no inmediata


Blue, entre el cielo y el mar 

En línea con la estética de los años 50 de las carpetas del jazz de la west coast, la sensual foto de la chica de la portada, obra de Ed Colver, es más que una imagen un recuerdo fugaz, una instantánea que detiene el momento de un amor que ya no está. En la recreación de ese clima estático operan cadencias lentas e insistentes que son como un sentimiento atrapado en una ilusión. La voz se convierte en aliento, alarga las vocales como quien alarga una despedida. El ritmo lánguido, hecho de motivos repetitivos y dinámicas breves 
en guitarras, bajo y en la esquemática y aérea batería, se balancea arrastrado por un cansancio existencial que acentúa el mensaje susurrante de la voz. 

Este mundo te envuelve en su tono romántico enfermizo y luego te conduce a ciegas hasta la oración final en Spiritual. Para cuando llegas a World of Blue (suite reforzada en su incisivo dolor por el violín y el chelo de Petra y Tanya Haden) se abre una ventana entre el azul del mar y el azul del cielo. Es la redención.


THE BLUE MOODS OF...
           SPAIN


Josh Haden (voz, guitarra-bajo), Ken Boudakian (guitarra, órgano), Merlo Podlewski (guitarra, Evan Hartzell (batería). 
Colaboran Petra Haden (violín y voz en World of Blue), Tanya Haden (cello en World of Blue), Larry Cady (trompeta en Ray of light). 
Grabado y mezclado en febrero de 1995. 
Producido por Norman Kerner y Josh Haden

  1. “It's So True” — 4:32
  2. “Ten Nights” — 6:11
  3. “Dreaming of Love” — 5:38
  4. “Untitled #1” — 6:40
  5. “Her Used-to-Been” — 4:15
  6. “Ray of Light” — 7:06
  7. “World of Blue” — 14:13
  8. “I Lied” — 5:08
  9. “Spiritual” — 7:38



22 diciembre 2015

WOOLEY-REMPIS-NIGGENKEMPER-CORSANO From Wolves to Whales



FROM WOLVES TO WHALES
Nate Wooley - trompeta
Dave Rempis - saxo alto
Pascal Niggenkemper - contrabajo
Chris Corsano - batería

Grabado el 10 de febrero de 2014 en Long Island, NY. 
Producido por Dave Rempis

Entre un nada desdeñable montón de discos que los músicos Evind Opsvik, Harris Eisenstadt y Matt Bauder pusieron sobre una mesa del camerino se podía ver éste. Le pregunté al trompetista Nate Wooley cuál era el preferido suyo de los que él traía. Sin dudarlo me ofreció este sugerente título, producido para su sello por el saxofonista de Chicago (le conocimos en Vandermark Five) Dave Rempis. Era noviembre de 2014. Salió el pasado mes de enero.



Texturas y distribución de densidades, antes que situarnos en un contexto fijado en notas, armonías, ritmo o melodías, revela un perfil distinto que se debe a la más actual de las expresiones de la improvisación libre

Desde las primeras notas, From Wolves to Whales suscitará el interés de los seguidores del free jazz como corriente clásica nacida en las década de 1960. La cuestión que se plantea entre interacción, creación de texturas y distribución de densidades, antes que situarnos en un contexto fijado en notas, armonías, ritmo o melodías, revela un perfil distinto que se debe a la más actual de las expresiones de la improvisación libre. Evidentemente, con la evolución de dicha apreciación -y el de las especies-, no se trata aquí de crear un sonido de protesta encendido y revolucionario, sino de transitar una superficie horizontal sin acotar.


Es decir, estos maestros de la improvisación y de la construcción abierta ejercen su voluntad creativa como compositores instantáneos, lo que coloca el diálogo a un nivel que está algo por encima de choque instrumental o la energía abrasiva típica el free jazz. No hay pautas ni forma, ni principio ni fin, en un discurso cuyo terreno se asfalta sobre la marcha a distintos niveles. Tampoco hay largos desarrollos solistas o intervenciones aisladas, aquí el material expuesto adopta una coherencia y concreción expresiva encomiable. De ahí, decíamos, que los cuatro sean compositores que esculpen el momento.

Un ejemplo rotundo y actual de una manifestación conectada con el pasado evolutivo del jazz, que pese a su carácter incorpóreo y fogoso destila elegancia e indolencia. 

Composiciones: Todas por Wooley/Rempis/Niggenkemper/Corsano
1) Slake 14:57
2) Serpents Tooth 10:48
3) Stand Up For Bastard 08:00
4) Swingin' Apoplexy 07:59
5) Count Me Out 10:15


21 diciembre 2015

SAMUEL BLASER QUARTET-Spring Rain

Samuel Blaser: trombone; Russ Lossing: piano, Fender Rhodes, Wurlitzer, Minimoog; Drew Gress: bass; Gerald Cleaver: drums.
Whirlwind Recordings


Sus trabajos, muchos de ellos con entrada en este blog, han estado entre nuestros elegidos en las listas anuales de los últimos años. Publicación que se ha visto sujeta a reformulaciones y adaptaciones según cambio de criterio y circunstancias que salían al paso, Spring Rain nació en Nueva York de un modo a finales de 2013 y nos llega de otro en 2015. Disco cuya gestación nos resulta cercana por la gira que concluía en España el músico antes de su entrada en estudio, podemos decir que su grabación coincide con el final de la segunda gira del grupo Consort in Motion (cuarteto con piano en cuya segunda entrega estuvo Drew Gress) y replantea el cuarteto (con guitarra eléctrica) anterior en el que participaba Gerald Cleaver. Se sitúa pues en una posición distinta en el argumento de ambas experiencias, a las que por los participantes sigue ligada.


Estando de gira, el grupo Consort in Motion (CIM) ya introducía en el programa algunos de los temas que componen este trabajo. En uno de los últimos conciertos se dio la ocasión para establecer un dúo entre Russ Lossing y Samuel Blaser. Una experiencia que se repite a lo largo de este disco a la que se incorpora un elemento transformador definitivo como es el sonido psicodélico de teclados. Este elemento, altamente expresivo en las manos de Lossing, ya de por sí significaba un avance en un repertorio inspirado en música pre-barroca que definía a CIM. Otra de las novedades que aquí se materializan es el discurso hilado o en forma de suite, al que ayuda los duetos trombón/piano, que ya se daba en la experiencia en directo con el CIM pero incluso antes con el intenso e incisivo trabajo improvisatorio del Quartet (hatOLOGY).


Por último, cabría señalar un autor determinante que suma personalidad a este disco en tres temas: Jimmy Giuffre. Las oportunas notas de Steve Swallow que se incluyen aluden a la dialéctica que suscita su obra entre espacio sin fijación rítmica e improvisación sin jerarquías melódicas y armónicas. Juego de texturas, profundidad y metamorfosis de un sonido que va más allá del fenómeno acústico, mundos en los que se desenvuelve Blaser a la perfección como instrumentista y como organizador. El músico suizo incorpora de nuevo su gusto por el empaste cercano a lo eléctrico, las dinámicas débiles, la respiración amplia y una construcción en la que los acentos solistas se difuminan en la atmósfera y la profundidad de campo.

Spring Rain no es, pese a sus sucesivos cambios de concepto, una obra fragmentada. Muy al contrario, supone un argumento narrativo y de sonido nuevos, que identifica y hace suyas afinidades de estilo y de exploración de registros que van de un solo de blues a la música elegiaca de Carla Bley o las líneas esquivas de Giuffre.

Noiself

Samuel Blaser QuartetBoundless & As the Sea
Samuel Blaser Quartet: Pieces of old Sky



16 diciembre 2015

JOHN TAYLOR- Aforismos a media luz (1942-2015)

John Taylor
Aforismos a media luz

John Taylor (1942-2015) es uno de los pianistas más personales del jazz europeo. Músico afín a la expresividad que define también a Enrico Pieranunzi, Bobo Stenson o Franco D`Andrea, todos ellos han construido su estilo sobre los cimientos armónicos de la música clásica, la dimensión melódica de Bill Evans y la espacio  interiorizado de Paul Bley

Como suele suceder a no pocos autores en el jazz, que se mantienen activos hasta el último suspiro sin saber en qué ciudad o sobre qué escenario sucederá, Taylor murió de un ataque al corazón mientras tocaba en el Festival de jazz de Saveurs el pasado 17 de julio. Pese a recibir asistencia en el teatro, fallecería luego en el hospital.

John Taylor es uno de los pianistas más personales del jazz europeo. Músico afín a la exquisitez expresiva que define también a Enrico Pieranunzi, Bobo Stenson o Franco D`Andrea, todos ellos han construido su estilo sobre los cimientos armónicos de la refinación clásica, la dimensión melódica expansiva de Bill Evans y la modernidad interiorizada y con silencios de Paul Bley.


Empezó su carrera en 1969 al lado de los saxofonistas Alan Skidmore y John Surman, agentes, junto con Mike Westbrook y Mike Gibbsen, del sonido del jazz eléctrico y también de cámara británico de los 70. Ha colaborado con la nómina de músicos que han escrito las páginas decisivas de un nuevo sonido en Europa, como Jan Garbarek o Enrico Rava, y con artistas del jazz estadounidense como Lee Konitz, Ralph Towner o Charlie Haden. Ha sido profesor de piano en la Universidad de York y de Colonia, entre sus más cercanos alumnos cabe señalare el talentoso pianista y compositor alemán Florian Ross.



Su piano no sólo ha creado escuela sino que ha condicionado parte de la mejor discografía de músicos esenciales en la escena británica-europea y por supuesto del sello alemán ECM como la del saxofonista-clarinetista británico John Surman (Stranger than fiction, 1993), la del trompetista canadiense afincado en las Islas Kenny Wheeler (Music for large and small Ensembles, 1990) o junto a la exquisita voz de Norma Winstone, con quien contrajo matrimonio en 1972. Junto a ambos, Wheeler y Winston, fundó en 1977 el influyente y novedoso trío Azimuth, que grabó sus mejores trabajos para ECM desde el primer disco con su nombre hasta 1995 en How it was then...never again. Destacar, también en este sello discográfico, el trío con Peter Erskine y Palle Danielsson, activo entre 1992 y 99, y su participación en el muy recomendable disco de Marc Feldman What Exit (2006). Su última publicación se tituló In Two Minds (2014).


El sonido de John Taylor se caracteriza por una articulación cristalina y compacta, una capacidad sensitiva para la síntesis estilística teñida de pasajes bucólicos, en consonancia con los elementos característicos de la música tradicional inglesa, y una construcción meticulosa en acordes, arranques rítmicos y melodías cantables. El colorido, pulcritud y elocuencia con el que perfila cada fraseo dotan a su música de una plasticidad a la que no le faltan espacios de tensión lírica.



Elegimos en este pequeño homenaje al músico británico el trabajo a piano solo Insight (2004) publicado en un sello francés como Sketch de corta vida pero gran aliento creativo. En este excelente disco, fruto del recogimiento y la madurez, Taylor se resguarda en una serie de piezas propias de duración intermedia (entorno a 5 minutos) que impiden el verbo fácil o lo anecdótico. Hay soberbios desarrollos percusivos sobre madera y cuerdas, excitándolas por simpatía y con modulaciones de pedal, que el excelente sonido de la sesión imprime una dimensión esférica en los graves que contrastan con líneas melódicas agraciadas por la luz.

Abunda en su discurso elegancia y refinación, rigor técnico y cercanía sensitiva. Un autor imprescindible en la construcción del jazz británico y europeo.





14 diciembre 2015

TANIA GIANNOULI ENSEMBLE-Transcendence

TANIA GIANNOULI ENSEMBLE

TRANSCENDENCE

Tania Giannouli (piano), Alexandros Botinis (cello), Guido de Flaviis (saxofones), Solis Barki (percusión, idiophones) + Giannis Notaras (batería) 
Rattle Music 2015

Alguien dijo que el silencio es el espacio donde todo trasciende. Trasciende en la música, el cine, el arte y en las emociones. Distintos ángulos de visión sobre lo que hoy sería “trascender” definen los títulos en inglés de los temas (From foreign land, untold, obssesion, The sea, The time will come, Sun dance) que componen este Transcendence, mientras que la música muta entre una actitud contemplativa y otra enérgica. La filosofía nació en la Grecia Clásica, también la Mitología. Razón y adoración a dioses caprichosos, ambas creaciones del hombre. Atenas, memoria y cuna de la cultura europea. En frente el rumor y aroma del espejo que es el Mediterráneo, detrás la cordillera de los intensos Balcanes, en medio el alma griega, horizonte situado entre el mundo romano y bizantino. Cruce de civilizaciones entre Europa y Asia que deja a su paso una profunda melancolía.


Sin querer ponernos transcendentes, más bien descriptivos, esta alegoría serviría para definir una música que nos resulta cercana y evoca imágenes, si conocemos la obra que escribió Eleni Karaindrou para el cineasta Theo Angelopoulos. Dicen que el sello alemán ECM y su productor, tras apoyar a estos dos autores, se influyeron de su mirada lenta diseminada por paisajes teñidos de soledad y esperanza: espacio y sonido. Criterios que para materializarse combinan un enfoque clásico con formato instrumental de cámara, composición, improvisación no ceñida al lenguaje jazzístico y folclore.



El perfil académico y creativo de Tania Giannouli comparte lugares comunes con la célebre compositora Eleni Karaindrou o con el pianista Vassilis Tsabropoulos. Estudió piano clásico y composición destacándose en ambos. Giannouli también ha realizado trabajos escénicos para video artistas, danza y textos narrados, con lo cual la música programática no le es ajena y usa de manera no literal la forma en suite para hilar varios argumentos descriptivos. 

Incorpora también en su escritura la improvisación, dotando de juego de intensidades a un esquema mixto de jazz-música de cámara con predilección por la claridad expositiva y la textura de color desdibujada. Con modulaciones de intensidades crecientes impulsadas por el cruce de espacios solistas, las melodías parten de modos repetitivos sencillos y crecen respirando canto popular.

Transcendence es una invitación al recogimiento y al gozo. Como todo viaje interior, pide momentos de espiritualidad y otros más terrenales. Tierra, agua, fuego y aire, los cuatro elementos se confabulan en este paisaje sentido y vivido.


Discografía:

-Tori no Kaigi (4+1/ Trente Oiseaux, 2009)
-Live at Sfendoni (4+1/ Triple Bath, 2010)
-16 days (Archangel music, 2010) con la Sofia Symphonic Orchestra
-Feeling of movement (Creative Space, 2012) 

-Forest stories (Rattle Music, 2012)






11 diciembre 2015

KEITH JARRETT 70º ANIVERSARIO- Creation & Samuel Barber, Bèla Bartók

       
KEITH JARRETT 70º ANIVERSARIO
(1945-2015)

     
Este año marcó una frontera temporal en una carrera caracterizada, precisamente, por saltarse todas las demás. Brindó también la ocasión para celebrar el 40º aniversario del Köln Concert el pasado enero, acontecimiento que en este blog hemos recuperado en un completo artículo, y sirvió de balance personal al cumplir 70 el 8 de mayo, edad que, pese a que mantiene un excelente estado físico, puede condicionar el carácter intenso y caudaloso de su pianismo.

Signo de modernidad, de excelencia y capacidad, Jarrett siempre mantuvo una posición firme en la dialéctica establecida entre música clásica y jazz para que ambos estilos coincidan en un mismo repertorio. El autor parte en su argumento de una relación no-lineal entre ambas facetas ejecutadas por un mismo músico. Por tanto para él no deben estar dentro de un mismo programa, en un mismo concierto, en un mismo producto.

La celebración de su 70º aniversario, según ciertas fuentes cercanas a ECM, podría ser la excusa idónea para una nueva reedición de los imprescindibles Sun Bear Concerts. Esa era la noticia que nos llegaba. Finalmente, han sido estos dos trabajos que comentamos los que servirían de homenaje. En ellos se mantiene la norma descrita más arriba sobre la ambivalencia de su música entre su faceta como improvisador y como solista clásico.


Creation 
(ECM 2015)

En el caso de la personalidad pianística que nos ocupa en su versión de “compositor instantáneo” entregado en solitario a una improvisación que parte de cero, Creation recoge determinados momentos extraídos de recitales ofrecidos entre abril y julio de 2014 en Tokio, Toronto, París y Roma. Son experiencias, como obra contemporánea popular que es el Köln Concert, que el autor define de “autoconocimiento”, en la medida que suponen un diálogo interior y a varios niveles entre él y el piano.

A diferencia de sus célebres “conciertos en...” como registros completos sin editar, Creation es un producto que selecciona distintos momentos de los directos en las ciudades citadas. Son piezas marcadas por el recogimiento, por el silencio como campo de resonancia, por estados de placidez reflexiva que se dejan llevar por la suavidad melódica y la falta de agitación interior. Es como si el clima creativo del gran trabajo que fue The Melody at night with you inspirara, más allá de los standards que lo componían, esta compilación.

La música envasada en Creation supone una expresión de la belleza complaciente, una versión de libertad creativa serena y confortable, sin agitación. Un producto en porciones que desmiente los principios de sus recitales improvisados para acercarse a algo parecido a lo que fue en su tiempo los Adagio Karajan en música clásica...el perfecto regalo de Navidad cargado de buenos deseos.



Samuel Barber Concierto op.38 
(Saabrüken, 3 de junio de 1984)
Bèla Bartók Piano Concierto No.3 
(Tokio, 30 de enero de 1985)
+ Tokyo Encore 
(Tokio, 30 de enero de 1985)
(ECM 2015)

Esta entrega, que completa el homenaje que comentamos, ofrece la versión clásica de un músico y un intérprete superlativo. Supone también un equilibrio emocional respecto a la placidez contemplativa de Creation, pues aquí el vigor expresivo viene dada por la densidad, la intensidad y el ritmo. Se da la circunstancia que coincide con uno de los periodos más fértiles de Jarrett (el decenio comprendido entre 1975-85), en el que los desafíos eran constantes.

Este exigente repertorio, que pide prodigio técnico y energía extenuante, refleja la predilección que un absoluto renovador del lenguaje pianístico contemporáneo como Jarrett tiene por autores Clásicos del siglo XX. En principio, queda claro que su periodo predilecto es la primera mitad de siglo. En su música siempre hemos podido encontrar afinidades con Bach, Ravel, Shostakovich, Mompou incluso, vía Pablo Casals. Este repertorio es la vertiente más rítmica con orquesta que se pudiera elegir en esa demarcación estética. Distinguir también que en ella hay una obra de un autor norteamericano y otro europeo que ya se había exiliado a los Estados Unidos.

Explica Jarrett que desde su niñez cultivó cualidades como solista clásico incluso antes de entrar decididamente en el Jazz. Cuenta que unos cuantos “Microcosmos después”, sus ganas de interpretar música clásica se habían renovado. Sus discos sobre Mozart, Bach, Shostakovich, sus propias composiciones para ECM son prueba de ello. A mediados de los 80 tenía la intención de salir de gira con piezas para piano y orquesta de Stravinsky, Bartók y Barber. Un accidente de esquí puso en peligro no ya esta gira, en la que participarían los directores Dennis Russell Davis y Kazuyoshi Akiyama y sus formaciones, sino la movilidad de sus manos para poder interpretar alguna vez este difícil repertorio.

La frondosidad rítmica y una sólida construcción que transcurre entre libertad y norma caracterizan estos dos conciertos en los que fortaleza y flexibilidad se convocan con el respaldo de sendas orquestas. El pianista de jazz y el improvisador que hay en Jarrett se encontraron con un solista rotundo, cuya ejecución se crece con la música de dos cómplices como Samuel Barber y Bèla Bartók, que asimiló el jazz de Benny Goodman al llegar a Nueva York y lo introdujo en sus melodía húngaras. 

Tokyo encore es el regalo surgido de la creación instatánea que dejó tras de sí toda la energía desplegada con Bartok. Una pieza improvisada en medio de un repertorio clásico, una bella contradicción.




09 diciembre 2015

HENRY THREADGILL & ZOOID- In for a Penny, In for a Pound

HENRY THREADGILL 

                           
ZOOID                      
                                   
in for a penny. in for a pound                                               
Liberty Ellman (guitarra), Christopher Hoffman (chelo), Henry Threadgill (saxo alto, flauta, composición), Jose Davila (tuba. trombón), Elliot Humberto Kavee (batería) 
Pi Recordings 2015


Su mundo creativo se ha ido perfilando tan personal e influyente en el jazz contemporáneo post-free como el que abrió Ornette Coleman. Estuvo acompañado como ejes de la renovación lingüística, desde la tradición que traía la AACM de los finales de 60 y que luego se diversificó en los 80, por autores como Roscoe Mitchell, Muhal Richard Abrams, Dave Murray o Leroy Jenkins. Su producción en las últimas tres décadas viene marcada por una escritura puntillista y recargada que permite libertad colectiva en continuo e intensidad creciente, junto a la configuración de mixturas instrumentales (metales-cuerdas-percusión) y de músicas étnicas. Ha habido al mismo tiempo un viaje a la esencia de planteamientos, distanciándose del barroquismo a la vez que se hacía evidente un formato más de cámara, si comparamos sus proyectos desde 1990 en obras fundamentales como Too Much Sugar for a Dime (con el grupo Very Very Circus, 1993 Axiom), Where's Your Cup? (con Make a Move, 1996 Columbia) o la obra definitiva con el actual proyecto Zooid, que sería el doble This Brings Us to Volume 1 y 2 (2009-10, Pi Recordings). Desde entonces, y pese a la entrega previa de 2012, este formato parece haber completado todo su arco expresivo, aunque se prescinda del bajo de un músico imprescindible en esta última etapa como Stomu Takeishi.

No hay vértices en la música de Threadgill. Por no haber no hay ni huellas que indiquen el sendero por el que transita una música libre y compacta como pueda serlo un enjambre de abejas. Como mucha de la música contemporánea de hoy, que ha trascendido los límites de la tonalidad, el timbre, la textura y las dinámicas, la suya forma un organismo hecho de elementos casi imperceptibles en conjunto, de zumbidos (microtonos) y entes que vibran en un movimiento estructurado en impulsos. 

                                                           Liberty Ellman & Henry Threadgill

Esa perplejidad que pudiera provocar su música proviene en gran medida de la conversión de notas en texturas, por el suspense que provoca un mensaje sin destino y a penas dirección reconocible. A izquierda, derecha, hacia delante o hacia atrás, la organización y exposición colectiva parece instintiva. Memoria, blues, marchas de Nueva Orleans, la absoluta modernidad siempre tuvo un pasado. Como en el memorable Just the facts and pass the bucket (About Time, 1983), pero con una destilación de formas hacia algo más abstracto, sigue latiendo el blues en el interior de una música expansiva cuya manifestación, como si ya viniera produciéndose antes de empezar a sonar, detiene el instante.

El fraseo expresionista y anhelante del saxo de Threadgill, el nervio tenso de la guitarra, la cuerda excitada del chelo se enredan con el volumen gaseoso y corpóreo de la tuba, mientras la siempre perturbadora percusión sostiene rítmicamente un entramado que parece serle ajeno. A medida que la tensión crece, como anunciando un colapso, el enfoque se torna menos cerebral y más enérgico.

De repente todo se detiene, como un suspiro en medio de la llovizna.